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Solfège

Qu’est-ce que le solfège

Qu’est-ce que le solfège ? La chose la plus importante à retenir à propos du solfège c’est que c’est de la musique avant tout. La musique a existé des milliers d’années avant que la théorie ne soit venue expliquer ce que les personnes essayaient d’accomplir.

Donc, ne pensez jamais que vous ne pouvez pas devenir un bon musicien juste parce que vous n’avez pas pris de cours de solfège. En effet, si vous êtes un bon musicien, il est probable que vous connaissiez déjà beaucoup de théorie. Vous ne connaissez juste pas le vocabulaire.

Les concepts et les règles qui composent le solfège sont un peu comme les règles grammaticales qui régissent la langue écrite (qui est également venue après que les gens ont découvert avec succès comment parler les uns aux autres). Tout comme la capacité de transcrire le langage permettait aux gens de loin d’entendre les conversations et les histoires comme l’auteur le voulait, la capacité de transcrire la musique permet aux musiciens de lire et de jouer des compositions exactement comme le compositeur le voulait.

Apprendre à lire de la musique, c’est un peu comme apprendre une nouvelle langue, au point où une personne qui parle couramment peut « entendre » une « conversation » musicale en lisant une partition.

Beaucoup de gens dans le monde ne savent ni lire ni écrire, mais ils peuvent encore communiquer leurs pensées et leurs sentiments verbalement. De la même manière, beaucoup de musiciens intuitifs et autodidactes n’ont jamais appris à lire ou à écrire de la musique et trouvent l’idée d’apprendre le solfège fastidieuse et inutile. Cependant, tout comme les sauts éducatifs qui peuvent venir avec l’apprentissage de la lecture et de l’écriture, le solfège peut aider les musiciens à maîtriser de nouvelles techniques, effectuer des styles de musique inconnus, et développer la confiance dont ils ont besoin pour essayer de nouvelles choses.

Les débuts du solfège

D’après ce que les historiens peuvent dire, au moment où le monde antique commençait à s’établir — environ 7000 avant J.-C. — les instruments de musique avaient déjà atteint une complexité de conception valable même à présent. Par exemple, certaines des flûtes osseuses trouvées de cette période sont encore jouables, et de courts extraits ont été enregistrés pour que les auditeurs modernes les entendent.

De même, les pictogrammes et les ornements funéraires ont montré qu’en 3500 avant J.-C., les Égyptiens utilisaient des harpes ainsi que des clarinettes à anches doubles, des lyres et leur propre version de la flûte. En 1500 avant J.-C., les Hittites du nord de la Syrie avaient modifié la conception traditionnelle égyptienne de luth/harpe et inventé la première guitare à deux cordes, avec un long cou fretté, des chevilles d’accord au sommet du cou, et une carte son creuse pour amplifier le son des cordes étant arrachées.

Beaucoup de gens considèrent la Grèce antique comme le lieu de naissance actuel de la théorie musicale, parce que les anciens Grecs ont commencé des écoles entières de philosophie et de science construites autour de la dissection de tous les aspects de la musique qui était connue alors. Même Pythagore (le gars du triangle) est entré dans l’acte en créant l’échelle d’octave de 12-pitch semblable à celle que les musiciens et les compositeurs utilisent encore aujourd’hui. Il l’a fait par le biais du premier Cercle des Quintes, un dispositif encore utilisé religieusement par des musiciens de tous horizons.

Un autre scientifique et philosophe grec célèbre, Aristote, est responsable de nombreux livres sur le solfège. Il a commencé une forme rudimentaire de notation musicale qui est resté en usage en Grèce et les cultures suivantes pendant près de mille ans après sa mort.

En fait, tant de théorie de la musique a été posé en Grèce antique que des changements substantiels ne semblaient pas nécessaires jusqu’à la Renaissance européenne près de 2000 ans plus tard. Voisins et conquérants de la Grèce étaient tous plus que heureux d’incorporer les mathématiques, la science, la philosophie, l’art, la littérature et la musique grecques dans leurs propres cultures

Les fondamentaux du solfège

Bien qu’il serait agréable d’être l’une de ces personnes qui peuvent s’asseoir devant n’importe quel instrument et jouer de la belle musique sans aucune formation, la plupart des gens ont besoin d’une sorte d’instruction structurée, que ce soit d’un enseignant ou de la lecture d’un livre. Ici, nous passons en revue les informations de base dont vous avez besoin pour commencer à apprendre à lire de la musique, jouer des gammes, comprendre les clés, construire des accords et composer.

La base : Notes, silences et pulsations

Apprendre à lire de la musique est essentiel pour un musicien, en particulier celui qui veut partager sa musique avec d’autres musiciens ou découvrir ce que les autres musiciens jouent. En étudiant les éléments de base, tels que les valeurs temporelles de chaque type de note écrite, les silences musicaux, les divisions temporelles et le rythme, vous vous mettez sur la voie de la maîtrise de la musique. Tous ces éléments sont réunis pour établir une base qui vous permet de lire, de jouer et d’étudier la musique.

Manipuler et combiner des notes

La lecture de notes de musique sur les portées des clés de sol et fa, ainsi que la recherche de notes sur le piano et la guitare — les deux instruments les plus courants sur lesquels les gens apprennent à jouer — sont essentielles à la création et à l’étude de la musique.

Lorsque vous pouvez lire des notes sur les portées, vous pouvez déterminer l’armure d’une pièce musicale, qui est un groupe de symboles qui vous indique dans quelle tonalité cette chanson est écrite. Vous pouvez utiliser le cercle des quintes pour vous entraîner à lire les tonalités à vue en comptant les dièses ou bémols dans une métrique.

Après vous être familiarisé avec les tonalités, vous êtes prêt à passer à des intervalles, des accords et des progressions d’accords, qui créent la complexité du son musical – de plaisant et apaisant au tendu et en besoin de résolution. Vous construisez des gammes et des accords en utilisant des intervalles simples ou composés : mélodiques et harmoniques.

Lier le piano à la notation musicale

Avant la Renaissance, peu de changements vraiment novateurs se produisaient dans la technologie musicale. Les instruments à cordes, les bois, les cors et les percussions existaient depuis des milliers d’années, et bien qu’ils aient connu de nombreuses améliorations dans la conception et la technique de jeu, ils étaient essentiellement les mêmes instruments utilisés par les gens des cultures anciennes. Il faut attendre les années 1300 pour voir apparaître une nouvelle interface musicale : le clavier.

Avec l’invention du clavier est venu le début de la notation musicale moderne – la musique écrite. Le lien clavier-notation a été favorisé en raison de la facilité de composer pour les orchestres complets sur le clavier. En outre, la plupart des œuvres nouvellement commandées ont été créées pour des instruments à clavier en raison de la perception du public du clavier comme un instrument supérieur.

Les claviers avaient aussi l’avantage d’être incroyablement faciles à construire des accords. Au Xviie siècle, le personnel à cinq lignes était considéré comme la norme pour la plupart des instruments de musique, probablement parce qu’il était plus facile et moins coûteux d’imprimer un seul type de partition pour les musiciens. Le système n’a pas beaucoup changé au cours des quatre derniers siècles, et il ne changera probablement pas jusqu’à ce qu’une nouvelle interface instrument plus attrayante entre en scène.

Comment le solfège peut aider la musique

Si vous ne saviez pas mieux, vous pourriez penser que la musique était quelque chose qui pourrait commencer sur n’importe quelle note, aller où elle voulait, et arrêter chaque fois que l’interprète se sentait comme se lever pour un verre de thé glacé. Bien qu’il soit vrai que beaucoup de gens ont assisté à des spectacles musicaux qui suivent en fait ce style de « composition », pour la plupart, ces spectacles sont déroutants et ennuyeusement complaisants et un peu inutiles.

Les seules personnes qui peuvent bien réussir un jam spontané sont celles qui connaissent suffisamment la musique pour empiler des accords et des notes les uns à côté des autres afin qu’ils aient du sens pour les auditeurs. Et, parce que la musique est intrinsèquement une forme de communication, la connexion avec vos auditeurs est le but.

Apprendre à en savoir plus sur la théorie musicale est aussi incroyablement inspirant. Rien ne peut décrire le sentiment que vous avez quand l’ampoule se déclenche dans votre tête et vous réalisez soudainement que vous pouvez mettre une progression de blues de 12 mesures ensemble et de construire une très bonne chanson. Ou lorsque vous pouvez regarder un morceau de musique classique et que vous avez hâte de jouer pour la première fois. Ou la première fois que vous vous asseyez pour jouer avec vos amis et que vous avez la confiance nécessaire pour prendre les devants.

En tant que musicien, le fait incontournable est le suivant : ce que vous retirez de la musique, c’est ce que vous y mettez. Si vous voulez être capable de jouer de la musique classique, vous devez savoir lire à vue et savoir garder un rythme régulier. Si vous envisagez de devenir un guitariste rock, savoir quelles notes vous devez jouer dans une clé donnée est particulièrement important. Savoir jouer de la musique demande beaucoup de discipline personnelle, mais en fin de compte, cela vaut tout le travail. De plus, bien sûr, jouer de la musique est amusant, et savoir bien jouer de la musique est incroyablement amusant. Tout le monde aime une rock star/jazz man/Mozart.

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